Mas difícil todavia

Hace poco que me encontré con las imágenes de Lichfaktor, ahora un anuncio de Sprint (telefonía móvil yanqui) utilizalas mismas técnicas magistralmente. Vía John Nack, que de paso cita también los esfuerzos de los japoneses Pikapika.

Xavier Rivas: bajo el muelle...

Xavier Rivas es una de las estrellas emergentes de la fotografía española. Sus fotos están también presentes en la exposición de PHE de la que escribí hace unos días. Su página es visita recomendada, especialmente su sección de fotos de Barcelona. Esta me ha hecho pensar en una vieja y cursi canción de los 50, Under the boardwalk, de los Drifters, que contaba la historia de un chaval al que le gustaba la intimidad de que disfrutaba bajo el muelle. La visión de la ciudad que propone quizá no sea del gusto de la oficina de turismo, pero a mi me emociona mas que las postales habituales.

Me impresiona mucho la sección de flores... Esos ramos huérfanos colgados de sitios tan inapropiados y tan cargados de significado...

A John Coffer no le preocupa que se deje de fabricar película...

John Coffer y su carro fotográfico

Ni a Will Dunniway. Trabajan el colodión. Si, el procedimiento inventado hace 160 años por ScottArcher . Fabrican ellos mismo sus emulsiones, sus placas, y sus reveladores.

Dunniway estaba, hace quince años, viendo la recreación de la batalla de Gettysburg (1863), observó a unos tipos haciendo fotos con cámaras de la época. Le fascinó el procedimiento, les pidió que le enseñaran y se ha convertido en una especie de gurú del tema. Cada año da una docena de cursos a aspirantes a artistas fotográficos.

John Coffer se compró un carro fotográfico y un caballo en 1978, y se pasó siete años viajando como los pioneros, ofreciendo sus servicios de fotógrafo ambulante. Desde hace 20 ofrece, en su granja del estado de Nueva York, el Campamento Tintype, tres días de curso intensivo sobre el tema.

Dunniway tiene en su web una galería de imágenes y alguna información. Hay varios cortos explicativos en You Tube. El procedimiento es difícil: Hay que recubrir una placa de cristal con colodión, y, antes de que se seque, sumergirla en una solución sensibilizadora de sales de plata, exponerla y revelarla. Por eso no tiene demasiados practicantes hoy. Las imágenes resultantes son, eso sí, muy románticas. Recuerdan, lógicamente, las realizadas por los pioneros, de hecho Dunniway ofrece en su web consejos para distinguirlas de las auténticas: Ya hay quien ha intentado la estafa.

Supongo que siempre quedarán artistas que usen estas técnicas, como la platinotipia, la goma bicromatada o el papel fresson, incluso cuando lo digital termine ahogando a la fotografía química. Al fin y al cabo, todavía hay artistas dedicados al grabado o la calcografía, aunque sean procedimientos técnicamente superados.

Dunniway: Yosemite Mirror Image, 2002

Foto playera: Massimo Vitali

Madrid está ahora sufriendo la avalancha de exposiciones de fotografía promovidas por PhotoEspaña. Megaferia especializada que lleva ya diez años, exhibe siempre mucho.

A veces se encuentran algunas joyas en las exposiciones colectivas, las teóricamente menores. Ya se que voy a ver cuando me acerco a la retrospectiva de Man Ray, o a la expo de Sebastiao Salgado. Pero uno no sabe que pensar de una colectiva que se llama Local, el fin de la globalización, colgada en el depósito de agua del Canal de Isabel II. El texto, el concepto y la presentación no son nada atractivas, una yuxtaposición de etiquetas traída por los pelos. La tesis es que la globalización se acaba porque triunfa lo local, como si fueran conceptos opuestos. Creo que hace ya mucho tiempo que Tolstoi dijo aquello de que si quieres ser universal, describas tu propia aldea...

Al final fui porque me gusta el local, la sala: Un antiguo depósito de agua salvado milagrosamente de la piqueta que reurbaniza Madrid para dejarlo sin memoria. Superficial que es uno. Y me he encontrado con las fotos de Massimo Vitali, que nunca había visto de verdad. Y solo por ellas ya vale la pena ir.

Vitali fotografía desde una altura de seis metros con una cámara de gran formato playas cercanas a su casa, las amplia a gran tamaño (80x70 cm. y mas) y las monta en Diasec, un proceso por el que la foto se fija a la parte trasera de un plástico transparente. Parecido al Dibond. El resultado impresiona. El objeto-foto. La imagen, por si misma ya es sugestiva: Al contrario del uso general, que manda centrar la foto en la anécdota, Vitali propone una visión general con decenas de sucesos detenidos, instantes congelados. Una situación sin drama, pero llena de detalles sugerentes. El formato escogido -colores, tamaño, montaje- enriquece enormemente la experiencia.

Hay una selección de sus imágenes aqui, pero ningún monitor puede hacerles justicia...

Alarma

Tengo desde siempre un problema con los fotógrafos de naturaleza. Además de que me resulta difícil de entender que alguien decida pasar el resto de su vida en sitios inhóspitos en los que solo resisten algunos animales salvajes, esperando durante días a que un pollo salga del nido o un león se decida a mirar a la cámara adecuadamente, siento una especie de reparo moral ante esas imágenes tan bonitas. Siempre que he ido al campo lo he encontrado tan sucio y desordenado como la ciudad. Hay polvo, barro, cosas descolocadas, hierbas que salen donde quieren, grietas y agujeros, etc. ¿Como hacen los fotógrafos para sacarlo todo tan bonito? Esos animales tan fotogénicos, tan bien colocados, esas luces tan sugerentes... ¿No es eso traicionar la esencia de la naturaleza, convirtiéndola en algo que no es? Convertirla en algo romántico y hermoso, ¿Es aceptable? ¿No es un sitio donde el grande se come al chico, frecuentemente después de despedazarlo sin miramientos?

Esta imagen me ha emocionado mucho, pese a ser un claro ejemplo de esa disneyficacion. Me he tropezado con ella haciendo una excursión virtual por el Instituto Smithsonian, que, por cierto, propone un curioso juego a partir de sus archivos fotográficos. Es de su selección de las mejores fotos de naturaleza del 2006, la hizo un fotógrafo alemán, Norbert Rosing, y es un ejemplo extremo de lo que apunto: El pobre oso lo va a pasar fatal y sin embargo la imagen es tan bonita... Supongo que debería ser de visión obligatoria para los que no crean en el calentamiento global.

Pintando con luz.

Siempre me ha parecido curioso como la cámara digital asimila y/o reconvierte viejas técnicas. Abrir el obturador y pintar con luz la escena delante del objetivo es una técnica antigua con usos tan diversos como crear fantasmas o iluminar monumentos. Los chicos de Lichfaktor le han encontrado un uso digital...

John Szarkowski murió el sabado pasado.

Otro que nos deja. John Szarkovski murió el sábado pasado, a los 81 años. Ya nos había dejado a efectos prácticos hace una decena de años, cuando abandonó el puesto de responsable de fotografía del MOMA, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, desde el que revolucionó casi en solitario la visión que se tenia de la fotografía, haciéndola pasar de una especie de instrumento mecánico de reproducción de la realidad sin mérito artístico, a un arte como los demás, una forma de expresión personal tan creativa y tan importante como la pintura.

John Szarkowski retratado por uno de sus descubrimientos, J.H Lartigue, en 1963.

Durante 30 años demostró una lucidez y una capacidad de anticipación sobre la evolución de este arte notorias. Su primera exposición escandalosa fue New Documents, que según él marcaba la aparición de una nueva generación de fotografos que pasaban de retratar la realidad para que se viera y se pudiera corregir, a hacerlo para investigarla, explorarla en sus propios términos. No encontró demasiados apoyos. Hoy , los textos de sus críticos suenan particularmente ridiculos. La exposicion recogía trabajos de Garry Winogrand, Diane Arbus y Lee Friedlander, nada menos.

Algo así ocurrió cuando decidió exponer los trabajos de un desconocido artista sureño que fotografiaba en colores chillones. Herejía: Todo el mundo sabía que lo artístico era el blanco y negro... Era en 1976, y el desconocido, William Eggleston, es hoy reconocido como uno de los mas grandes. Aquel año la mayoría de los críticos la ridiculizó y muchos la incluyeron entre lo peor del año.

En 1978 organizó una antológica -Espejos y ventanas, fotografía americana desde 1960- cuyo título hace referencia a las dos capacidades fundamentales de la fotografía. Afortunadamente, se pudo ver en España, gracias a la Fundación Juan March, y tuvo un enorme impacto sobre nuestros críticos y museos.

Gracias a él, conocemos mejor el trabajo de Walker Evans, Edward Weston, o Ansel Adams, a los que consiguió convertir en estrellas del mundo del arte. Decubrió, casi de la nada, además de a Arbus, Eggleston o Winogrand, a gente como Atget o Jacques Henri Lartigue.

Lo mas curioso es que consiguio su trabajo casi por casualidad: Dos de los miembros del consejo del MOMA se pusieron muy pesados con que se contratara a un desconocido "paleto" de Wisconsin para que sustituyera a Edward Steichen, que cuando fue contratado para el trabajo ya era famoso y respetado. El resto del consejo quería a alguien así, pero insistió menos.

Al jubilarse volvió activamente a la fotografía, y resulta que era igual de bueno como organizador y agitador que como fotógrafo...

John Szarkowski, From Country Elevator, Red River Valley, 1957

Para mi su figura engrandeció aun mas cuando un amigo me contó que le había recibido en su despacho del MOMA. Mi amigo, fotógrafo, dejó su portafolio en su oficina, le dieron cita para recogerlo dos semanas mas tarde y cuando llegó, Szarkowski le estaba esperando. Dedicaba un día a la semana a recibir a desconocidos con talento. Mi amigo no daba crédito: El director del departamento de fotografía del museo mas importante del mundo alabando su trabajo... Sobre todo porque llevaba casi dos años pateándose todas las galerías madrileñas sin conseguir que le recibiera nadie.

Fotos singulares: El detalle

Me he tropezado esta imagen hoy en una revista couche en la pagina de al lado de un anuncio de un Renault Espace desde 24.000 € 2 pantallas DVD independientes auriculares inalámbricos audio connection box para consolas seguro a todo riesgo sin limites.

Pensé que a veces es mas impresionante el detalle que el plano general: Un hombre sin zapatos siempre ha sido la definición del pobre. Intuyes que este es muy listo. Si amplias la foto, ves los detalles de la piel, el suelo árido, la metáfora de su situación o mas precisamente, la metonimia esa que nos enseñaban en el cole. La carga simbólica no se acaba ahí: Los zapatos se han fabricado con basura...

La imagen es muy conocida. La tomó Olivier Jobard, un fotógrafo de la agencia SIPA, que pasó seis meses siguiendo a Kingsley -creo que es el dueño de esos pies, es el protagonista de la historia- desde Camerún a España, haciendo el camino de los miles de "subsaharianos" que nos llegan. Ganó decenas de premios, incluido uno en el World Press Photo. El reportaje -completo, detallado, estremecedor- se puede ver, narrado por el propio Kingsley, en Mediastorm, se publicó integro en un libro (lo tienen en Kowasa), Le Monde aun mantiene en línea un resumen en francés. Cuando cargas la página, te sale con publicidad de líneas aéreas low cost y vacaciones en Camerún. Irónico.

La pareja

Bert Theunissen: Rao Faquis#1 17/2/2005 15:36

La encontramos a un lado el camino cortando leña, y cuando comenzamos a hablar con ella nos llevó a su casa. Allí conocimos a su marido. Nunca había visto una sala de estar así. El fuego estaba en el suelo en el centro de la habitación, no había hogar, ni había chimenea. El techo iba para arriba y acababa en un agujero pequeño en el tejado. Se podría decir que todo el cuarto era en sí mismo una chimenea. Todo en la habitación estaba negro. Negro del humo y del alquitrán que produce el fuego. No se aprecia en las fotos, aunque se ve la cadena de hierro de la que cuelgan el puchero en que cocinan. Cuelga de una viga que se puede apartar pivotando.

No había absolutamente nada en la casa que no necesitaran para vivir sus vidas. Cuando le pregunté al marido si echaba de menos algo, si le faltaba algo, el hombre se levantó, se acercó al armario del fondo, lo abrió y dijo: "Tenemos todo lo que necesitamos". Dentro vimos un pedazo de pan hecho en casa, un trozo de queso hecho en casa, chorizo hecho en casa, aceite de oliva hecho en casa y vino hecho en casa. “Y además de eso,” dijo “nos tenemos el uno al otro” y se sentó al lado de ella para que los fotografiara.

Yo diría que hace tiempo que pasaron de los ochenta, o incluso de los noventa y siempre han vivido en esa casa ahumada. Y estaban fuertes como un buey.

El fotógrafo Bert Theunissen encuentra a la pareja feliz en una aldea gallega y lo cuenta, muy impresionado, en su blog de la fundación Aperture. Es parte de una serie de Paisajes Domésticos, que le ha llevado por Japón, Alemania, Holanda, Francia, Italia...

Juguetes

Craig Sterling: Venetian Abstract

Esto es lo que Craig Sterling es capaz de hacer con una Holga, una cámara de plástico sin controles de ninguna clase, que vale unos 30 euros. Lo que viene a demostrar una vez mas que la herramienta no es lo importante. Y no es algo accidental, su página está llena de estilizados paisajes hechos con ella y con herramientas mas sofisticadas, todas igual de hermosas.

Bernd Becher.

Torres de agua, 1967-1980

Parece que Bernd Becher murió el viernes pasado, en Dusseldorf, durante una operación de corazón. Tenía 75 años. Era un fotógrafo muy conocido en nuestro país, donde expuso muchas veces, la última en PHE hace un par de años.

Con su mujer Hilla, desarrolló una obra de gran coherencia fotografiando estructuras industriales que presentaba agrupadas por función (depósitos de agua, bocaminas, graneros...). Tomadas siempre con una luz equivalente, un ángulo parecido y con un procesado uniforme, vistas en conjunto producían un extraño efecto, un ritmo hecho de sus diferencias y sus semejanzas. Durante 50 años, con tenacidad germánica, elaboraron a la vez una topología y una taxonomía de construcciones industriales que nadie había sabido retratar así hasta entonces. Aunque haya algunos vagos precedentes de su forma y estilo (la nueva objetividad, Steiner, Sander, etc.) su empeño y la amplitud de su trabajo son únicos. Cada día lo aprecio más, sobre todo por contraste con los fotógrafos que aplican un esteticismo romántico mas bien caduco a los mismos motivos, tan abundantes hoy (los fotógrafos y los motivos).

Yo me sentí muy gratificado al saber que había alguien que apreciaba una cierta belleza en esos horribles y utilitarios edificios industriales y que lo mio era en el fondo normal. Cada vez que me quedaba embobado mirando una chimenea industrial de ladrillo o un hangar me resultaba difícil de explicar.

Bernd Becher era tambien profesor y ha creado escuela. Alumnos suyos destacados son "paisajistas" como Candida Hofer, Thomas Ruff, o Andreas Gursky. Es un buen momento para leer en su recuerdo algo como esta reflexion (inglés) y agradecerle su trabajo.

Bernd y Hilla Becher

Sin comentarios...

Del blog sobre interneteo y aparatuquis de Mauro Entrialgo en El Pais. Gracias a Backfocus.

Los ricos ya tienen sus fotógrafos

Milton Rogovin ha ganado el Premio Cornell Capa, del International Center of Photography. Para los recién llegados, Cornell Capa era el hermano de Robert Capa, fundador del ICP, y el premio que lleva su nombre es uno de los mas prestigiosos del mundo. Lo han ganado Susan Meiselas, Josef Koudelka, Marc Riboud, Robert Frank,Mary Ellen Mark, etc.

Llevo un buen rato intentando resumir en un par de párrafos la vida de este hombre, por el que siento una inmensa simpatía y casi tanta admiración. Es imposible. Milton Rogovin, que cumplió 97 años en diciembre pasado, ha aprovechado demasiado bien el tiempo.

Rogovin en su laboratorio, ca. 1980

y protestando contra el gasto militar, en 2005

Es la encarnación del fotógrafo comprometido. Su padre murió de un infarto durante la Depresión, tras perder casa y negocio, cuando él solo era un adolescente. Estudio Optometría en la universidad de Columbia, pero formarse se formó realmente en las calles revueltas de la América de los años 30. Para comprender el origen de la pobreza, estudió economía en la Worker's School. Siempre militó en sindicatos y organizaciones obreras.

En 1938 recaudaba fondos para comprar ambulancias y material médico para la República. La Guerra Civil fue el primer tema que trató con la que luego sería su mujer, Anne, que, además de compartir su trabajo, fue una activista relevante y una respetada profesora de educación especial.

Pronto abrió su comercio de óptica en Buffalo (Nueva York), actividad que compaginaría casi toda su vida con la fotografía.

En 1957 fue citado por el infame Comité de Actividades Antinorteamericanas. El periódico local le definió como el rojo número uno de la ciudad. Fue hostigado por el FBI (su dossier en la agencia tiene 744 paginas), su negocio estuvo a punto de hundirse. Resistió. Obligado a abandonar cualquier actividad politica, descubrió que la cámara era un excelente instrumento para expresar su militancia.

Fotografió la lucha cotidiana de los habitantes de los barrios mas pobres, los trabajadores de la decadente industria pesada local, los mineros de los Apalaches, los indios recluidos en las reservas, el Méjico revolucionario, los inmigrantes...

Su primer éxito fue un trabajo de tres años sobre las iglesias de barrio y las comunidades negras, del que Aperture publicó un libro en 1962.

En 1960 Neruda le invitó a visitar Chile y el resultado fue un libro conjunto:Ventanas que abren hacia dentro.

En 1972 empezó a fotografiar a los habitantes del Lower East Side, una serie que continuó durante tres décadas, fotografiando a la misma gente una y otra vez. La cerró con 92 años.

En 1983 ganó una beca W. Eugene Smith para completar su trabajo sobre los mineros, que le permite viajar a varios países, incluido España.

La ciudad que le condenó en los 50 acabaría reconociendo su valor excepcional. La universidad estatal de Buffalo le concedió sus máximo honores. El gobierno de su país le celebró hace unos años adquiriendo 1.200 fotos, además de sus negativos, para la Biblioteca del Congreso. Irónico: el mismo gobierno que intentó destruirle por el mismo trabajo. Fue el único fotógrafo en mas de treinta años que consiguió ese honor.

Ha sobrevivido a dos operaciones de corazón y un cáncer de prostata.En 1997 perdió la vista, desmanteló su laboratorio y vendió su vieja Rolleiflex, con la que había hecho casi todos sus trabajos. Milagrosamente, una operación le devolvió la vista tres años mas tarde. Volvió a fotografiar. En el 2006 se produjo un documental sobre su obra: Milton Rogovin: Los ricos tienen su propios fotógrafos. Es la mitad de su frase favorita, termina diciendo que el fotografía a los otros, los olvidados, así en español.

Me lo ha descubierto Alec Soth, que además de ser un excelente fotógrafo mantiene un blog revelador. Su retrato de Rogovin, en vez de aburrir con los detalles de su vida, como hago yo, se centra en su trabajo sobre el Lower East Side, y publica algunas fotos con los recuerdos de los retratados. Una chica recuerda, por ejemplo, que su madre se sentía como una estrella de cine cuando aparecía Rogovin y eso la hacía feliz durante dias.

Hay una página interesante en la Biblioteca del Congreso, y una excelente web sobre su trabajo. Aquí se puede oír a Rogovin comentando su libro The forgotten ones (Los olvidados).

Familia trabajadora, España 1983

Jardines del paraíso

Norman en la bicicleta con Brutus, Morganton, NC, 2006

A los humanos nos cuesta desligarnos de la tierra, aunque nos concentremos en megaciudades. A los yanquis parece que aun mas. Philip Carpenter ha publicado un trabajo, Jardines del paraiso, que documenta, entre otras cosas, como algunos intentan mantener el contacto aferrándose a su patético cachito de verde...

La cámara adelgazante

Sin efecto adelgazante ...... Con efecto adelgazante

Dicen que la cámara de fotos engorda, y parece que HP se lo ha tomado en serio y ha decidido hacer algo al respecto: Sus cámaras incorporan ahora un efecto adelgazante: Adelgace sutilmente a los modelos de sus fotos, dicen en la web yanqui de la marca. El efecto es graduable en intensidad, de hipopótamo a sílfide apoyando en un mando, cómodamente. Ojala fuera así en la vida real...

No es el único efecto llamativo que han incorporado los ingenieros de HP, que deben estar buscando desesperadamente lo que se llama ventajas competitivas en la jerga del marketing. La web española no destaca el efecto adelgazante como la americana, pero señala en la ficha técnica de las cámaras características importantes y características inteligentes, de la 01 a la 06. La mas chocante es la 05, asesoramiento instantáneo: Haces la foto, seleccionas la opción y la cámara te dice que has hecho mal y como tienes que hacerlo la próxima vez. ¿Como han podido vivir los Cartieresbressones hasta hoy sin algo así?

Supongo que los responsables españoles de marketing de la marca piensan que aqui hay menos preocupacion con el peso y que los españoles ridiculizaríamos algo así, pero a lo mejor se equivocan. Seguro que muchos comprarían la camara HP y dirían que se la han regalado o que lo hacen porque saca muy buenos colores...

Para tu pared

Imagínate que tienes una mancha en la pared que quieres tapar con una obra maestra fotográfica, pero no te alcanza para pagar los tres millones de euros de un Gursky o los 300.000 de un buen original de Cindy Sherman. O que tienes un gusto mas clásico. No problem. No tienes mas que plantarte virtualmente en la Biblioteca del Congreso y descargarte alguna de las miles de fotos escaneadas a alta definición, en dominio público que ofrece esa institución del Congreso de los Estados Unidos. Son TIFFs de calidad mas que decente, de grandes fotógrafos como Walker Evans (la muestra), Russell Lee, Dorothea Lange, Eugene Smith. Hay también cientos de imágenes anónimas mas que decorativas.

Una vez descargadas el resto depende solo de tu habilidad con el GIMP o el Photoshop o el programa de retoque que prefieras y la calidad del sistema de impresión que uses: Puedes llevar el archivo a imprimir en algún laboratorio profesional, incluso.

Legal, gratis y decorativo…

Un testigo

En esto de la fotografía, como en las demás artes, hay exposiciones y exposiciones. Macro y mini acontecimientos sociales. Pero a veces la importancia no depende del tamaño.

El pasado mes de marzo se exhibió la obra de Jerome R. Mintz, un fotógrafo y antropólogo americano que durante varios decenios visito regularmente Benalup de Sidonia, la antigua Casas Viejas. Supongo que no habrá nadie que no sepa que es Casas Viejas, pero por si acaso resumo que es una pedanía de Medina Sidonia, pueblo de Cádiz, dónde la República se enfrentó a los rebeldes campesinos andaluces. La policía se extralimitó, causó varios muertos y el incidente, convenientemente magnificado por la derecha de la época, minó gravemente la credibilidad de Azaña y le alienó el apoyo de una importante parte de la izquierda. El escándalo fue tan grande que para evitar su recuerdo incluso se cambió el nombre al pueblo, que hace unos años consiguió segregarse de Medina, y asumió la dominación Benalup-Casas Viejas. Una historia tremenda, de la que se pueden consultar detalles en este texto

El caso es que este hombre, un antropologo y profesor universitario muy destacado, documentó fotográficamente el pueblo y sus gentes durante decenios, y pese a que la fotografía no debió ser mas que otra herramienta de su oficio, lo hizo con arte. Sus fotos parecen transmitir la emoción y el respeto que le inspiraban sus gentes. Su trabajo debió resultar particularmente difícil con los censores y represores del régimen siempre al acecho. Es fácil de imaginar las cautelas y las desconfianzas que tendría que superar para ganarse la complicidad de sus sujetos.Hoy sus fotos son todo lo que queda de muchos de ellos y el único testimonio de aquella época. Espero que le fuese agradecido. Sus fotos pudieron verse en el I.E.S. Benalup-Casas Viejas. Yo las he recuperado en un trabajo de Canal Sur, emitido hace unas semanas.

El próximo 22 de noviembre se cumplen diez años de su muerte. Estaría bien que alguna institucion aprovechara la efeméride para dar una difusión mas amplia a su obra.

Bienal de Venecia: Primer Leon de Oro a un fotógrafo.

Ya no es noticia que la fotografia ocupe un lugar relevante en la Bienal de Venecia o en cualquier otra feria de arte. Si lo es que conceda su premio maximo, el León de Oro a un fotógrafo. El elegido es Malik Sidibé, reconocido pionero de la foto africana, que lleva casi 50 años construyendo una obra personal y un retrato de la sociedad de Mali desde su estudio, con una dedicacion especial a los yeyes y las fashion victims...

Malik Sidibé: La gacela, 1974

No es un desconocido, sus obras han circulado ampliamente estos años, desde que Andre Magnin le descubriera para el mundo del arte. Estuvieron, por ejemplo, en el Guggennheim de Bilbao el año pasado (ver). Hace ya algunos se le concedió el prestigioso Premio Hasselblad. Si que es un reconocimiento merecido, y debe ser un tipo estupendo. De una entrevista concedida al diario O Publico, entresaco lo que comenta del Hasselblad: Era un reconocimiento por todos estos años del trabajo. Provocó un cambio, pero más a nivel social de qué artístico. Con el premio, pude ser útil a la gente que tengo cerca, que vienen a pedirme cosas. Doy, porque, para mí, dar es un placer. A la gente de mi país, a mis vecinos. La prueba es que de los 34 millones de francos de Mali -los cincuenta mil euros del premio- solamente me queda uno. Di un millón cada uno de mis hijos mayores y la gente necesita bombas para regar y sierras mecanicas . Pagué ya 20 bombas. Ayudo porque todavía me veo como habitante de un pueblo agrícola. También compré un camión a mi hermano, que vive en el bosque. Aun no me compré un coche para mí, no sea que la gente piense que todavía tengo mucho dinero (risas). A nivel profesional, el premio no abrió muchas puertas. Es verdad que en las galerías, por ejemplo, mis fotografías subieron de precio. La medalla esta bien... ¡Y la cámara de de cinco millones también! “

Aqui hay una muestra bastante extensa de sus fotos.

Jan von Holleben: Sueños de vuelos

Las fotografías puestas en escena son tan antiguas como la propia técnica y siempre paradójicas: De alguna manera subvierten su esencia realista, la naturaleza inmediata de sus resultados, al ponerla al servicio de creaciones imaginarias.

Jan von Holleben toca alguna zona sensible de mi imaginario con su serie Dreams of flying (Sueños de vuelos o soñando con volar o algo así). Construye imágenes de sueños infantiles en las que el artificio es tan obvio que debería entorpecer nuestro disfrute de ellas, pero hace el efecto contrario: les añade poesía.

[VIA]

Paisajes manufacturados

Edward Burtynsky: Rio de nickel 34

Tropiezo con una foto de Ed Burtynsky trabajando y me viene a la cabeza una imagen parecida de Ansel Adams, con su cámara montada en el techo de su camioneta. Adams hizo algunas de sus mejores fotos desde ahí, durante largas excursiones solitarias en las que incluso dormía en ella.

Asocio a Burtynsky con Adams porque los dos, además de utilizar cámaras de gran formato, se han centrado en el paisaje. Cada uno habla de su época: Adams retrataba la naturaleza pura, su grandeza primigenia (lo siento, no se me ocurre otra palabra). Contribuyó enormemente a popularizar Yosemite y otros parques naturales y fue utilizado por el Sierra Club y otros pioneros ecologistas para concienciar al público sobre la belleza y la importancia de sus tierras vírgenes.

Burtynsky, en cambio, retrata paisajes modificados por la acción del hombre. Lleva veinticinco años en ello. Como Adams pasa meses trabajando, pero en vez de ir de parque en parque, de Point Lobos a Yosemite, va de mina en cantera, de vertedero en escombrera. Las fotos retratan la belleza insólita de estos lugares frankesteinianos, producto del trabajo de unos humanos que parecerían haberse vuelto locos.

Uno fotografiaba en blanco y negro, el otro en color. También signo de los tiempos. Los dos se convirtieron en vida en verdaderas celebridades.

Burtynsky ha visitado en varias ocasiones China. Empezó fotografiando la construcción /destrucción asociada a la presa de las Tres Gargantas, luego ha ampliado el campo. Muchas de sus fotos recogen procesos de reciclado. Señala que, a diferencia de lo que ocurre aquí, donde se recicla a un coste, por motivos ambientales, en China se hace por motivos económicos: China importa basura electrónica y la recicla para recuperar metales valiosos. Un convenio internacional lo prohibe, aun así es demasiado buen negocio. Como el desguace de barcos, también fotografiado por Burtynsky, o el depósito de residuos nucleares, todas actividades contaminantes y peligrosas que preferimos externalizar.

Las dimensiones del aspecto chino del asunto son vertiginosas: Burtynsky fotografia, por ejemplo, una fábrica que produce 20 millones de planchas al año, o el agónico trabajo de los habitantes de los pueblos que serán inundados por la presa, que consiste en desmontar ladrillo a ladrillo sus casas y las de sus vecinos, y que cobran por ladrillo.

Su punto de vista, explicado en este video de 35 minutos (en inglés), es muy sugerente. La cuestión, dice, ha alcanzado tal dimensión, que la dicotomía bueno-malo, deja de tener sentido. Su propósito es crear imágenes que atraigan al espectador por su impacto estético, pero que le hagan consciente de procesos que usualmente ignora. Normalmente no sabemos de donde vienen los materiales que usamos o forman parte de lo que usamos, ni a dónde van una vez que pierden su utilidad. Sus fotos lo explican. Eso si, no se pueden ver realmente en un monitor: Sus copias son enormes, mas de un metro de lado.

Todas estas aventuras se recogen en Manufactured Landcapes, un documental de Jennifer Baichwald, que le sigue a China, entra con él en fábricas activas y derruidas, le filma fotografiando con su enorme cámara desde coches y grúas, etc. Estrenado el pasado otoño, circula por el circuito de festivales. Puedes comprarlo en los proveedores habituales. You tube tiene el trailer y un reportaje de cuatro minutos. Había una interesante entrevista troceada en la que hablaba de técnica, motivación, etc. que acaba de desaparecer.

Cuando empezó, su madre, como era de esperar, le dijo que para que iba a esos sitos tan feos, que nadie se interesaría nunca por esas fotos. Ahora están en los principales museos y galerías del mundo y alcanzan precios importantes. En España le representa la galería Toni Tapies, de Barcelona.

Desguace de barcos 49

Pentax: 50 Aniversario

Pentax celebra el 50 aniversario de su primer modelo SLR, la primera cámara japonesa de este tipo y la responsable de la popularización de su uso. Para conmemorarlo ha diseñado la AP, un prototipo de cámara basado en la K10D, que imita el estilo de aquellas y vuelve a utilizar el característico logotipo "aoc" que llevaron durante decenios. Además, el visor es de pentaprisma y replica el diseño de su predecesora. De momento no hay planes para su producción.

La compañía también es noticia porque por fin ha culminado su proceso de fusión con Hoya, después de superar las turbulencias creadas por algunos accionistas suspicaces.

Es difícil imaginar hoy, cuando el mercado esta completamente dominado por aparatos japoneses, el impacto que tuvo la cámara original. Las SLR no eran entonces demasiado populares, los únicos modelos, fabricados en Alemania eran muy caros. Los profesionales usaban grandes cámaras de placas, o Rolleiflex, o las Leica o Contax de telémetro, y Japón era un país muy muy lejano. A los fotógrafos les costó creer que se podían fabricar cámaras de calidad a tan buen precio. Las revistas destacaban que las ópticas resultaban ser tan buenas como las Leitz o Zeiss.

La AP original marcó el principio del fin de la industria europea, que resistiría a duras penas 15 años. Es el equivalente en fotografía de la Honda Four, la moto que probó que era posible fabricar cuatro cilindros a buen precio y acabó con la industria europea de las dos ruedas...

La AP original, 1957

Hermoso

Ligeramente off topic, pero nadie que este medianamente interesado por el arte o la fotografía debería perderselo: Un viaje animado de 500 años por el retrato femenino en el arte occidental.

Obras de Leonardo Da Vinci, Raphael - Raffaello, Titian - Tiziano Vecellio , Sandro Botticelli , Giovanni Antonio Boltraffio, Albrecht Dürer, Lucas Cranach el Viejo, Antonello da Messina, Pietro Perugino, Hans Memling, El Greco, Hans Holbein, Fyodor Stepanovich Rokotov , Peter Paul Rubens, Gobert, Caspar Netscher, Pierre Mignard, Jean-Marc Nattier, Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun, Sir Joshua Reynolds, Franz Xaver Winterhalter, Alexei Vasilievich Tyranov, Vladimir Lukich Borovikovsky, Alexey Gavrilovich Venetsianov, Antoine-Jean Gros, Orest Adamovich Kiprensky, Amalie, Jean-Baptiste Camille Corot, Édouard Manet, Flatour, Jean Auguste Dominique Ingres, William Clark Wontner, William-Adolphe Bouguereau, Comerre, Leighton, Blaas, Renoir, Millias, Duveneck, Cassat, Weir, Zorn, Alphonse Mucha, Paul Gaugin, Henri Matisse, Picabia, Gustav Klimt, Hawkins, Magritte, Salvador Dali, Malevich, Merrild, Modigliani, Pablo Picasso

Lourdes Grobet

Lourdes Grobet abre exposición en Madrid, en la Casa de América, una colección de algo mas de un centenar de sus imágenes del deporte nacional mejicano, la lucha libre. Lourdes estudió fotografía y pintura en Méjico e Inglaterra, y durante mas de 35 años ha combinado las dos disciplinas. En su biografía incluye entre sus maestros a El Santo.

Las imágenes recogen tanto la pelea en el ring como momentos de la vida cotidiana y retratos mas formales de los participantes.

Zonezero publicó algunas de sus imágenes con un pequeño ensayo sobre el papel de la mascara en la política y la cultura mejicanas.

Corey Arnold

Corey Arnold se enroló en un barco de pesca para pagarse la universidad, la escuela de arte. Como tantas otras personas, hizo de la necesidad virtud. Ahora se define como pescador y fotógrafo. Su web atrae visitas muy variopintas, pero lo pintoresco de su caso le ha convertido en una especie de celebridad. Recibe numerosas consultas de chavales que quieren dedicarse a la pesca o vivir como él.

No es que sea fácil. Trabaja en Alaska, en el Mar de Bering, en Noruega. Mares hostiles. Vivió cinco años en Oslo, ahora "tiene sus cosas" (esa es la expresión que usa) en Portland, Oregón, USA.

Su trabajo se ha expuesto ya en galerías de medio mundo y merece la visita a su web. La única crítica que se me ocurre hacerle es que su portfolio es un poco irregular, algunas fotos son en exceso anecdóticas otras demuestran una originalidad y una maestría innegable. Sus fotos compensan lo anecdótico con su exotismo. No es fácil ver retratada una forma de vida tan especial.

Comprarse una camara

Hay una maldición que persigue a los que tienen algo que ver con la fotografía. O dos. La primera, en la que estaba pensando, es que todo el mundo te pregunte que cámara tiene que comprarse. La que se me ha ocurrido después es que te enseñen sus albumes para que veas lo que molan sus fotos y lo buena que es su cámara para lo que costó. La segunda ha sido sustituida por invitaciones a verlos en el flickr o envíos de email. Los tiempos cambian.

La primer tuvo su punto álgido hace unos años, cuando se añadía la pregunta de si digital o analógica. Luego la gente se enganchó a los megapixels, que es un concepto fácilmente comprensible y profundamente arraigado (yo la tengo mas grande). Tuve la clave el día en que se me ocurrió decirle a un vendedor que con cinco tenia bastante: Y cuando saques tu cámara en la mesa del bar y la de tu amigo tenga seis? Eh?

A mi me gusta presumir solo de que no me gusta presumir, así que ese no es mi problema. Decidir si que lo es.

Las compactas, que son de las que estoy hablando, son muy prácticas, mas que suficientes para lo que la gente necesita, pero de una calidad mediocre en general. Nada que equivalga, no ya a una buena cámara de 35, tipo Nikon TI o Leica CL, es que no creo que puedan competir ni siquiera con una Olympus XA. Una vez dicho eso, mi problema es la infinita gama de producto con mínimas diferencias en calidades, prestaciones y precios. Es una oferta disparatada. No puede tener sentido económico. Supongo que los fabricantes son todos mas listos que yo y tiene que haber una lógica detrás de tanto derroche, pero no la capto.

Yo uso una Canon que compré porque tenia un 28 mm. y RAW, dos requerimientos que reducen mucho el campo de elección. Ahora me he dado cuenta de que es poco práctica, y después de usar una Olympus de gama baja, ha empezado a pensar que quizá a fin de cuentas el JPEG no es tan malo. Así que me pongo a decidir y me aburro: Todo el mundo recomienda la Fuji F30 por su buena calidad a 800 ASA. Dicen que es la mejor con poca luz, importante para mi. Por otra parte, tengo mucha simpatía por Olympus, la que he usado me ha sorprendido mucho, sobre todo su gestión del color, y tienen un modelo todo terreno (sumergible, golpeable, congelable, etc.) que, teniendo en cuenta lo patoso que soy, es interesante. Pues resulta que la F30 ya no existe, aunque se sigue vendiendo. Ahora es la F31, pero alrededor están la F20 y la F10, y, supongo, sus versiones mas modernas, con el mismo chip, algunas prestaciones menos y un precio un poco mas barato. ¿De verdad tendrán el mismo captor? La de Olympus es la Mju 720, pero además hay la 725, la 730, la 770, etc. y, aún peor, otra gama de Mju impermeable, aunque no sumergible, tiene también una docena de modelos. La Canon equivalente a la mia ya no tiene RAW, pero puedo en cambio puedo comprarme una Ricoh que tiene TIFF. O sea, que por no decidir, abandono la idea. Es ridículo.

Y luego todas tienen funciones y funciones que no voy a usar nunca y que, en definitiva, tampoco sirven para nada. Y eso obliga a hacer manuales de 100 páginas que hay que leerse y memorizar, y si no la usas con frecuencia, al final pones el automático y no puedes ir mas allá. Por si fuera poco, dos cámaras de la misma marca tienen luego lógicas de menús y manejo completamente distintas. Criticamos mucho a los que se gastan una pasta en una SLR digital para luego usarla en automático, pero la verdad es que les entiendo perfectamente.

Cuando empecé a hacer fotos, tenia cámaras con tres controles (obturación, diafragma, enfoque) y me divertía mas.

Así que ahora, cuando me preguntan, no me meto en muchas profundidades: Respondo que todas son igual de malas, y que lo importante es hacer muchas fotos y aprender como hacer buenas fotos con la que te compres, lo que requiere un esfuerzo importante, peor cuanto mas complicada sea. Y que por cada minuto que pases haciendo fotos te pasas luego una hora "revelándolas" o sea que es mejor pensar y controlar, y si me apuras dejar que sea otro (un laboratorio) el que se ocupe de ello. Y que siento desilusionarles, pero los megapixels no significan nada y que hay cámaras con 5 megas buenos que te dan mas alegrías que otras con 10 malos. Resultado: no me vuelven a preguntar. Tampoco me suelen hacer caso, los fabricantes parece que al final si que saben lo que hacen.

Un descubrimiento

La George Eastman House ha anunciado el descubrimiento de dos fotografías en color tomadas por Edward Steichen en 1908, según recoge el New York Times. Las imágenes, realizadas con la técnica del autocromo, inventada por los hermanos Lumiere e importada a Estados Unidos por el fotógrafo, eran completamente desconocidas y han llegado al museo de una forma un tanto rocambolesca: El abogado de Charlotte Albrigth, una pintora de 96 años, llamó preguntado si estarían interesados en tres negativos antiguos propiedad de su representada. El responsable de la GEH dijo que si, pensando que serían negativos impresionados por la madre de la artista, Charlotte Spaulding, que durante un periodo relativamente breve formó parte del grupo Photo Secession, con el mismo Steichen, Stieglitz, etc., antes de concentrarse en la pintura y casarse con un importante industrial.

Los dos hombres, muy ocupados, pactaron un encuentro tipo película de gangsters en un aparcamiento, se vieron unos minutos. Anthonny Bannon, el hombre de la GEH, recuerda que le dió las gracias y se fue como si tal cosa. Comprobó el paquete y vió que contenía un negativo de Charlotte Spaulding, y dos placas en color de Steichen, firmadas.

Steichen es una de las grandes figuras e la historia de la fotografía. Su obra ha pasado un poco de moda, pero no por eso ha perdido importancia, y además, desde su posición como el primer director del departamento de fotografía del Moma, educó al mundo entero en la importancia del arte fotográfico. Organizó la que probablemente ha sido la exposición fotográfica mas importante de la historia: The family of man. La importancia de las cosas no se mide solo por el dinero que cuestan, pero quizá sea el momento de recordar que, hace un año, una de sus fotos, precisamente un autocromo titulado The pond-moonlight se vendió por tres millones de dólares en Shoteby's.

Las dos fotos son imágenes de una belleza impresionante. Aún haciendo abstracción de su importancia histórica, conmueven por su hondura y su calidez. Son dos retratos ejemplares.

Iluminar

Si hay un blog que pueda ser útil a un fotógrafo en ejercicio, ese es Strobist. Recuerdo que hace muchos años estando de guia de un famoso actor por Madrid, llegó un fotógrafo a hacerle un retrato y usó un par de Vivitars 283, y pensé que era un valiente. Un profesional parece obligado a llevar mucho material, y en esas ocasiones siempre se presentaban con unos de esos megaflashes de estudio y un par de ayudantes.

Strobist va de eso, de iluminar mucho con poco. Utilizando flashes pequeños como el Vivitar, los Speedlights, etc. cubrir cualquier acontecimiento. Demuestran no solo que es posible, sino que es muy recomendable, y nos recuerdan que, en realidad, mas que con los flashes, las fotos se hacen con el cerebro.

Algunos de los adictos, como John Sumrow, el de la foto de al lado, están un poco grillados, otros son brillantes. La foto de abajo es un retrato de una de las grandes obras de la humanidad, un Mercedes 300SL, fotografiado por Ken Brown, iluminada por dos pequeños Speedlights. Ken Brown esta en el grupo de Flickr de Strobist, imprescindible para cualquiera que quiera aprender a iluminar.

Nueva Sony

Sony parece decidida a hacerse un hueco en el mercado de las SLR digitales y a demostrar que la compra de Minolta fue un negocio interesante. En la PMA presentó los prototipos de sus nuevas Alpha, y ahora distribuye a la prensa las primeras fotos de sus nuevos modelos.

No sé si serán buenas, aunque imagino que serán brillantes, (la potencia de Sony debiera combinar bien con la imaginación y la experiencia que viene con la marca clásica), pero desde luego son super sexys... Esas formas tan sólidas y con tanta gracia, esa T roja con su asterisco indicando un objetivo de calidad superior Zeiss, ese hermoso color violeta del recubrimiento de las lentes... mmmm... muy atractivas. Si las fotos tienen como objetivo encender el interés de los aficionados, lo consiguen. El fotógrafo se ha ganado su sueldo.

Una foto cada dia...

...me envían de Flakphoto desde que me apunté a su servicio, y es de los pocos mails que espero con anticipación...

Por ejemplo, hoy me ha llegado una hermosa imagen gracias a la cual he descubierto el trabajo de Amy Stein. Una de sus series, Domesticated, es particularmente emocionante. Son fotografías de animales "domesticados", integrados en la vida de los humanos o próximos a su hábitat. Original y hermoso. Mis fotografías -escribe- exploran nuestra paradójica relación con lo "salvaje" ...buscamos a la vez conectar con el misterio y la libertad del mundo natural, mientras nos esforzamos en domesticar lo salvaje y en controlar compulsivamente lo que de salvaje tiene nuestra propia naturaleza.

La revista yanqui que me la descubre me informa también de que su trabajo se expone este año en Photoespaña... Aquí al lado y estos días. Curioso.

Ya llevo 100...

Ya he llegado a los 100 posts. No es como para felicitarse, pero es mas de lo que han escrito muchos blogueros, como por ejemplo, los que tienen registrados los nombres que me gustaban cuando empecé, casi todos abandonados. Eso si que fue frustrante, tanto que acabó en lo de fotolios, que es entre infantil y absurdo.

No es que sea un éxito, tengo unos 40 o 50 visitantes únicos diarios, que se describiría mas como un grupo de amigos grande que como un público o una audiencia. Acumulo casi 9.000 visitas, que llegan en su mayoría desde España, 80% mas o menos, y luego de America Latina. He tenido 4 desde Africa y otras 4 desde Australia. Algunos han llegado de Malasia e Indonesia. Muchos desde pequeños pueblos, y un 18% vuelve regularmente... Hay algunos que lo han visitado 100 veces (excluyendome a mi)

Eso si, mi contenido se ve que no es nada polémico porque apenas motiva comentarios: Cuatro o cinco en total... Me ha escrito mas gente directamente al mail, generalmente con felicitaciones. Tímidos que somos.

A por los 200!

¿Quieres ganar dinero? Olvidate del ladrillo, invierte en arte

Hace unos dias, mientras todos nosotros haciamos cosas normales, hubo una subasta en Christie's, en Nueva York. Arte contemporaneo. Algun cronista la ha encontrado dramática. Estremece leer los precios alcanzados. La organización avisó de que esperaba fijar un nuevo nivel de precios para algunos artistas, y asi fue. Se vendieron en unas horas 385 millones de dólares. El 95% de los lotes encontraron comprador. Un Warhol de 1963, Green Car Crash, alcanzó 71 Millones desde un precio de salida de 16, sobre un estimado de 35. Increible. Un pequeño retrato, lemon Marilyn, de 1954, llegó a 28 millones. Un par de Rothko se vendieron a precios parecidos.

Algunos artistas vivos alcanzaron tambien precios impresionantes: Damien Hirst, 2,4 millones o Lisa Yuskavage, 1,4 millones.

Poca fotografia, eso si, a precios parecidos: Por ejemplo, un tríptico de Hiroshi Sugimoto, 1,88 millones, y un autorretrato de Cindy Sherman, 2,12 millones. Menos espectaculares fueron los pagados por fotos de Gordon Matta Clark (84.000 dólares, el doble de lo previsto), Elger Elser (54.000, estimado 25/35.000), Thomas Ruff (144.000, estimado 60/80.000), Mapplethorpe (54.000, estimado 20/30.000).

Cindy Sherman: Sin Título 92, 1981 Vale 1.630.000 Euros!

Si me toca la loteria...

... me voy directo a Nueva York, a la galería de Howard Greenberg, y me dejo una pasta gansa en fotos. ¡Qué catálogo! De Berenice Abbot, Atget y Arbus, a Edward Weston, Garry Winogrand y Minor White, tiene todos los clásicos imaginables...

De momento me tengo que conformar con pasar por su web , lamentar no poder disfrutar de la antológica de William Klein que anuncia y usar su buen criterio para descubrir gente como William Gedney.

William Klein: Bikini, Moscú, 1959

Fotos singulares: Gabo amoratado

Hay fotos sin demasiado mérito artístico, cuyo contenido las hace interesantes. Este retrato de Gabriel Garcia Márquez es un buen ejemplo. La foto es casi un documento forense, una prueba de parte para un posible pleito. Aunque también tiene el mérito de proponernos una visión de un personaje notable en unas circunstancias excepcionales. Parece que Vargas Llosa, además de ser muy de derechas, es también aficionado a los derechazos. Gabo tuvo la mala idea de apoyar a la mujer del peruano en una crisis del matrimonio, y, como suele ocurrir con frecuencia, cuando el matrimonio se reconcilió, la mujer trasladó a su marido los comentarios con que Gabo la apoyaba (supongo que eran del tipo de estas mejor sin él, te engañaba con todas, o así). La primera vez que se volvieron a encontrar, Vargas Llosa, sin mediar palabra, tumbó a Gabo de un puñetazo.

La historia la cuenta con mucho encanto el fotógrafo, Rodrigo Moya, en La Jornada, un diario mejicano. Moya fue un gran reportero hasta que abandonó la fotografía hace treinta años (no por falta de vocación, dice él, sino por hambre), se fue a vivir junto al mar, fue buzo, editó una revista -Técnica pesquera- durante 22 años, publicó libros de cuentos con bastante éxito, y superó un cáncer.

Tras la enfermedad, dudando si suicidarse o buscarse una ocupación (siempre según él), reparó en su un inmenso archivo fotográfico y decidió trabajar en el. Asi recuperó esta foto, organizó varias exposiciones y publicó algunas monografías. La última se titula, muy apropiadamente, Fuera de moda. Merece la pena leerle (aqui, aqui, o aqui). Se han publicado un par de ensayos sobre su obra: Rodrigo Moya, una visión crítica de la modernidad, de Alberto del Castillo, y Rodrigo Moya, una fotografía insurrecta, de Alfonso Morales y J.M. Aurrecoechea

La pelicula se resiste a morir

El otro día leía que algunos periódicos americanos están equipando a sus fotógrafos con videocamaras mini dv: Así pueden proporcionar material para las paginas web y fotos para el periódico con un solo aparato. Las nuevas máquinas con chips de 3 Megas lo hacen posible. Algunos se resignan y se hacen a la idea de que tienen una cámara de fotos capaz de hacer 25 por segundo (bueno en USA, tierra del ntsc, son 30). Otros se resisten. Via TOP, llego al trabajo de Stephen Crowley, que publica en el New York Times reportajes hechos en negativo blanco y negro, con una Zeiss Ikomat, una cámara de fuelle de medio formato, fabricada en 1958. Lo irónico es que la usa también para hacer reportajes en video como este. Tiene la suerte de contar con una editora gráfica, Michelle McNally, a la que no le importan tanto las herramientas como los resultados, y que sabe apreciar el valor añadido de una buena fotografia.

Lo que no se ve

Puede que, paradójicamente, las fotografías más interesantes sean las que nos permiten ver lo que de otro modo no veríamos. Y no me refiero solo a las que retratan fenómenos invisibles, como ésta, que he descubierto vía Rinzewind, bloguero y controlador ocasional de manifestaciones (las penas del agente Smith, Manifestómetro). Es parte una colección de fotos tomadas con la cámara rapatrónica, un invento de Harold Edgerton, que abrió un nuevo campo a la fotografía. Es capaz de detener cualquier movimiento con su altísima velocidad de obturación (10 nanosegundos, 1/100.000.000 de segundo).

Edgerton se hizo famoso con sus pintorescas fotos de una bala reventado una manzana o atravesando una carta, la corona que forma una gota de leche al impactar contra el suelo, etc, pero este invento tenia otras aplicaciones. Lo que se ve es la explosión de una bomba atómica menos de un milisegundo después de la detonación. Las cosas terribles a veces tienen un aspecto inocente.

Tus fotos cuentan mucho...

Es lo que dice el Archivo Fotográfico de la Comunidad de Madrid. Hablando de "vernacular", foto anónima, popular, etc. La Comunidad ha iniciado un programa de recogida de fotos con la colaboración de Photoespaña. Los detalles, y las primeras 1.500 fotos, están en su página. Puedes llevarlas al servicio de recogida, en el Archivo de la Comunidad, en 14 bibliotecas publicas, en el servicio itinerante, o enviarlas por internet. Recogen, escanean y devuelven en el momento. El proyecto está dirigido por el fotógrafo y editor gráfico Chema Conesa, la ambicion supongo que es elaborar una especie de retrato colectivo, y espero que uno de sus efectos secundarios sea que la gente aprenda a ver sus fotos de otra manera.

Entre las que ya se exhiben hay de todo, fotos curiosas, informativas, graciosas y algunas excelentes. Me han sorprendido varias por su calidad. La que mas, quizá este retrato de una primera comunión en Palomeras en 1962, de Maria del Carmen Galisteo León. Parece recoger el momento ¿qué hago yo aqui? por el que pasamos todos en estos trances... Técnica y artísticamente a la altura de cualquiera de los grandes.